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  • Título Original: Django Unchained
  • Año: 2012
  • País: Estados Unidos
  • Duración: 165 minutos.
  • Director: Quentin Tarantino
  • Reparto:  Jamie Foxx, Leonardo DiCaprio, Christoph Waltz, Kerry Washington, Walton Goggins, Samuel L. Jackson, Don Johnson, Bruce Dern, Franco Nero, Jonah Hill, Tom Savini, M.C. Gainey, RZA, James Remar, Todd Allen, James Russo, Tom Wopat, Misty Upham, Gerald McRaney, Cooper Huckabee, Dennis Christopher, Laura Cayouette.
  •  Género: Western. Drama/ Racismo. Drama Sureño.
  • Puntuación: 8 /10

Durante muchos años, los mayores críticos de Tarantino, han dedicado sus esfuerzos a vetar la obra de un director en el que todas sus películas estaban influenciadas por el género del Western. Pues bien, creo que en parte por mostrar sus preferencias y en parte para contestar a todos, ha decidido hacer una película del Oeste para rendir su propio homenaje al genero; aunque como en honor a la verdad, tendría que catalogarse como “una película del Sur”, eso si, con el inconfundible estilo de Tarantino.

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La cinta nos sitúa dos años antes del inicio de la guerra civil americana (1861-1865). El doctor King Schultz (Christophe Waltz), un cazarrecompensas alemán, encuentra a un esclavo de color, Django (Jamie Foxx), el cual es clave para encontrar a unos fugitivos. Scultz le promete a Django que una vez capturados, le dará la manumisión. Tras un impecable trabajo, Django prefiere seguir con Schultz en su trabajo: encontrar y matar a los criminales más peligrosos del sur; Django se convierte en un experto en cazar recompensas, pero todo lo hace con el objetivo de recuperar a su esposa Broomhilda (Kerry Washington). Su búsqueda les llevará hasta uno de los hombres más ricos del sur, el peligroso Calvin Candie (Leonardo DiCaprio), cuya mayor distracción es ver luchas entre esclavos, además es el propietario de la plantación “Candyland”, donde muy posiblemente se encuentre la esposa de Django.

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Si le preguntases a cualquiera que haya podido ver a lo largo de su vida alguna película de este genero, por el actor que mejor define el Western, sin duda todos hablarían de: John Wayne, Clint Eastwood, Gary Cooper, Steve McQueen, Henry Fonda, James Stewart, Lee Van Cleef…y si tenemos que hablar de una gran pareja de actores que protagoniza “una del oeste” todos recordamos a Paul Newman y Robert Redford, en la plenitud de su carrera en “Dos hombres y un destino”. Tarantino ha cogido a todos ellos y le ha dado la vuelta poniendo de protagonistas a un dentista alemán metido a cazarrecompensas y a un esclavo de color que acaba siendo “la pistola más rápido del sur”. Demuestra así que se pueden tener tus propias influencias, pero no deja de darle una vuelta de tuerca a los rigidos patrones cinematográficos: renovarse o morir.

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En cuanto al elenco de actores; todos y cada uno de ellos cumple a la perfección con su papel: Jamie Foxx está simplemente soberbio, en él podemos observar con gran detalle todo el proceso evolutivo de la personalidad de su personaje, no hace un trabajo principal sólo por ser el protagonista, sino que hace méritos para serlo. Christoph Waltz vuelve a meterse en un papel complicado y lo resuelve con gran solvencia. Como ya he comentado, su mayor problema es arrastrar la fama y las formas del papel que le dio la fama, porque existen algunos sectores que dicen que este es un papel calcado al del Coronel Landa de “Malditos Bastardos” y excepto que ambos personajes son germánicos, no veo relación alguna, ni en el personaje, ni en la forma ni en la actuación. Leonardo DiCaprio, hace ya mucho tiempo que dejó de ser un actor que levantaba los gritos adolescentes cada vez que la cámara le enfoca, para convertirse en uno de los actores con más talento del cine norteamericano; en esta película ha podido divertirse sin medida y actuar con total libertad, haciendo un “malo exquisito”. Mención a parte debe tener Samuel L. Jackson, que a pesar de la caracterización exquisita a la que se vio sometida para hacer de Stephen, su mirada no nos engaña; su papel de fiel sirviente y verdadero amo de la plantación “Candyland”, debería de reconocerse más allá de los premios y buenas críticas.

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El desarrollo de Django Unchained empezó en 2007, cuando Quentin Tarantino, hablando con The Daily Telegraph discutió sobre una idea para hacer un spaghetti western ambientado en el sur profundo de Estados Unidos, que él llamó “Southern”, afirmando que quería: “hacer películas que trataran del horrible pasado de Estados Unidos con la esclavitud y esas cosas, pero como lo hacen los spaghetti westerns, no como películas sobre un gran problema. Quiero hacerlo como si fueran películas de género, pero se enfrentan con todo lo que Estados Unidos nunca se ha ocupado porque se avergüenza de ello, y otros países no tratan sobre ello porque no sienten que tengan derecho a hacerlo.”

Sin duda la película es especial porque será la primera película de Tarantino, que no edite Sally Menke, fallecida en el 2010. Django es el título, de un popular spaghetti western de 1966, dirigido por Sergio Corbucci. Aunque la película de Tarantino no es ni un remake, ni un spin-off de esta, de la que sólo toma el nombre del personaje principal y poco más.

No queda más que recomendar a mis lectores su visionado. Si, es una película de Tarantino (con todo lo que eso implica) y si, dura casi tres horas. Pero es sin duda, una de esas historias que engancha desde el principio, de la que no podrás apartar los ojos de la pantalla. Así que, compren la entrada, un buen cubo de palomitas y un refresco bien grande. Una vez pasados los títulos de crédito, prepárense para disfrutar de esta maravilla.

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  • Título Original: City of Life and Death (Nanjing! Nanjing!)
  • Año: 2009
  • País: China
  • Duración: 132 minutos.
  • Director: Lu Chuan
  • Reparto:  Liu Ye, Gao Yuanyuan, Hideo Nakaizumi, Fan Wei, Ryu Kohata, Qin Lan, Jiang Yiyan, Zhao Yisui, Yao Di, John Paisley, Yuko Miyamoto, Liu Bin, Beverly Peckous, Aisling Dunne, Sam Voutas, Zhao Yisui
  • Género: Bélico. Drama / Guerra Chino-Japonesa (II). Histórico. Años 30
  • Puntuación: 9 /10

Si hay una tarea pendiente para los historiadores es que no solemos investigar más allá de nuestro propio entorno. Con esto no quiero decir que nos dediquemos a estudiar solamente la Historia de nuestros países, pero cuando hablamos de cualquier época de la historia a la que catalogamos de “Universal” nos centramos en Europa, el entorno cercano al continente y a América del Norte. Pero nos olvidamos de Asia y África. Y eso es una cuenta pendiente que tenemos que subsanar.

Ciudad de Vida y Muerte, nos lleva a 1937, en el estallido de la Segunda Guerra Chino-Japonesa. En el transcurso del conflicto, el Ejército Japonés acaba de capturar la capital de la República China, que por entonces era Nankín. Una vez tomada la ciudad tuvo lugar el suceso conocido como “la  masacre de Nankín”, un periodo de varias semanas donde se aniquiló masivamente a un gran número de prisioneros de guerra chinos y civiles, la mayoría de estudiosos coinciden en que la cifra está en torno a 300.000 personas; además de cometer cientos de atrocidades sobre la población de Nankin (mayoritariamente mujeres y niños)

La película cuenta la historia de varios personajes, reales y ficticios, como un soldado chino, un profesor de escuela, un soldado japonés, un misionero extranjero y John Rabe un hombre de negocios nazi que acabó finalmente salvando la vida de miles de civiles chinos lo que le hizo merecedor de ser conocido como el “Schindler de China”. Estos personajes irán desarrollando sus diferentes tramas para acabar colisionando en cierto momento, creando un torrente de sensaciones difícilmente explicables.

La película nos llega en blanco y negro por “Respeto a las victimas”, según palabras del propio Lu Chuan. Donde se desarrollan todas las tropelías posibles, en una ciudad ocupada por un ejército invasor. Muchas voces, hablan de un posible fin propagandístico de China contra el eterno enemigo que es Japón; no me parece el caso. Porque un país que decide expandir sus dominios por medio de las armas, está sometiendo al agredido a una guerra y eso no lo podemos negar.

Así que en este caso, Japón es el infractor y por tanto el culpable de lo que se narra en esta película. Esto no quiere decir que los Japoneses son muy malos y los Chinos muy buenos y sufridores. Eso seria simplificar hasta el extremo la historia y todos sabemos que los sucesos son más complejos de lo que parece a simple vista. El suceso que conocemos como “la  masacre de Nankín”, donde las violaciones, torturas, abusos y asesinatos a sangre fría están a la orden del día;  fue un hecho atroz y condenable; una mancha en la historia de la humanidad, pero por desgracia fue una mancha entre otras muchas; lo que no la hace menos grave o importante, por tanto era necesario contarla y si es a través de un medio universal como el cine, me parece acertado.

A lo largo de la cinta encontramos una atmosfera opresiva, en ningún momento estamos tranquilos viendo como se desarrollan los acontecimientos, porque estos aparecen de manera abrupta e inesperada. Desde las iniciales escenas del más puro cine bélico a un desarrollo del día a día de la ciudad ocupada.

La película ha tenido el mismo número de críticas buenas como malas. Es cierto que es de agradecer el enorme esfuerzo que hace Lu Chuan, por hacer una película en la que se intenta mostrar los dos bandos del conflicto y más, en un país tan represivo como China con la cultura. Y es que mostrar al “antiguo enemigo” como un ser humano, capaz de sentir y ser magnánimo, no es algo que las autoridades chinas viesen con buenos ojos. A pesar de su éxito, no pudo evitar las controversias tras su estreno en su país de origen. En particular, se criticó bastante el retrato del soldado japonés Kadokawa como personaje simpático, lo que llevó a algunas personas a amenazar de muerte en internet al director y a su familia.

No hay un actor malo, no hay una mala interpretación; todos son personajes creíbles y muy bien trabajados. Un trabajo absolutamente impecable en lo que a la interpretación se refiere.

El título no puede estar mejor elegido, porque en una síntesis perfecta de lo que quiere expresar la película. En ella vemos mucha violencia y mucha muerte pero también vemos como valores como el amor, la solidaridad y el sacrificio configuran el incesante espíritu de la vida que se resiste por desaparecer. Y es que ante la inevitabilidad de la muerte sólo podemos elegir como enfrentarnos a ella. Yo soy partidario de aquello que le dice Máximo a Cómodo, usando las palabras de Marco Aurelio, en Gladiator: “La muerte nos sonríe a todos, devolvámosle la sonrisa.”

  • Titulo Original: The Way Back
  • Año: 2010
  • País:  Estados Unidos
  • Duración: 130 minutos.
  • Director:  Peter Weir
  • Reparto: Jim Sturgess, Ed Harris, Colin Farrell, Saoirse Ronan, Dragos Bucur, Gustaf Skarsgård, Alexandru Potocean, Mark Strong, Sebastian Urzendowsky
  • Género: Aventuras. Drama / Años 40. Supervivencia
  • Puntuación: 7/10

Equivocarse a la hora de seleccionar la película que vas a ver en un momento determinado, más concretamente en ese momento especial de tu semana que dedicas a ver cine, puede arruinar tu plan y dejarte un sabor amargo. No ha sido el caso. Si hubiese hecho caso a la carátula de la película, a lo mejor, hubiese dejado su visionado para otro momento; pero su elección no podía haber sido más acertada.

Camino a la Libertad es la adaptación de “The Long k: The True Story of a Trek to Freedom” de Slavomir Rawicz. El protagonista narra su experiencia al principio de la Segunda Guerra Mundial; cómo tras la invasión de Polonia porV los alemanes (1939), fue arrestado por el ejército rojo. A pesar de su condición de militar de la Unión Soviética,  es encarcelado en un campo de trabajo en Siberia. Allí un grupo de presos  le enseñaran las dificultades que tendrá para sobrevivir si sigue teniendo como única idea en su cabeza la de volver a su casa en Polonia para poder ver a su mujer.

Su huida del gulag se convierte en una carrera contrarreloj por la supervivencia. Huyendo a pie llegaron desde Siberia al Himalaya, al desierto del Gobi y, atravesando el Tíbet, acabaron llegando a la India.

A lo largo de la cinta vamos conociendo ampliamente a los Janusz (Jim Sturgess), Mr. Smith (Ed Harris), un ingeniero estadounidense; a un actor llamado Khabarov (Mark Strong), a Valka (Colin Farrell), un endurecido criminal ruso; a Tomasz, un artista y el cocinero del grupo; a Kazik, un polaco que sufre de ceguera nocturna; a Voss (Gustaf Skarsgård) un sacerdote de Letonia; y a Zoran (Dragos Bucur), un contable de Yugoslavia. A ellos acaba uniéndoseles una joven que encuentran al llegar al lago Baikal, Irena (Saoirse Ronan). La llegada de Irena supone una humanización importante de los endurecidos fugitivos, pues gracias a ella y a su curiosidad el frio muro que habían levantado en el gulag para evitar la muerte se va disipando; lo que nos permite conocer de verdad a ese grupo de personas que están compartiendo ese camino hacia la libertad.

Si tuviera que definirla en una palabra, lo primero que se me ocurre es decir que es una película dura, pero esta dureza no llega a ser excesiva de manera que se puede ver sin sufrir un ataque de angustia, se nota la mano de Peter Weir, tratando situaciones complicadas con  una maestría al alcance de muy pocos directores. Aunque es cierto, que dadas las inclemencias del clima en varios de los lugares más extremos del mundo (de Siberia, el desierto de Gobi o el Himalaya), los fugados sufren, en sus cuerpos y en sus almas un tormento sobrehumano. Y enseñarlo es necesario, aunque en demasiadas ocasiones incidir en tantos detalles puede cansar al espectador. Lo más espectacular lo encontramos en el sentido panorámico de los paisajes de esa desconocida parte del mundo.

A nivel interpretativo me quedaría con la magnifica actuación de Colin Farrell, como Valka un despiadado mafioso ruso al que la interpretación de Farrell hace que el espectador acabé cogiéndole cariño. Y por supuesto Ed Harris, que consigue mostrarnos el desarrollo de su propio personaje, Mr. Smith, en el que el camino que hacen es parte de su propia redención. La irrupción de la joven Saoirse Ronan, como Irena, la única referencia femenina de la película, consigue sacar lo mejor de cada uno.

La veracidad de lo que Slavomir Rawicz nos cuenta en su libro (“The Long k: The True Story of a Trek to Freedom”) ha sido recientemente puesta en duda por varios historiadores, pues las condiciones de los gulags de Siberia estaban pensadas para acabar con la forma física y mental de los prisioneros y a muchos extraña que un grupo tan numeroso y variopinto pudiera ponerse de acuerdo para fugarse y sobrevivir en varios de los lugares más inhóspitos de la Tierra.

Personalmente la película me ha gustado, tal vez porque he entendido el mensaje de libertad que encierra el guion o tal vez se debe a que el camino que recorren en la película es el propio camino que realizamos todos a lo largo de nuestra vida, un camino que tiene como último fin conquistar la libertad.

  • Titulo Original: The Debt
  • Año: 2011
  • País:  Estados Unidos
  • Duración: 114 minutos.
  • Director:  John Madden
  • Reparto: Sam Worthington, Jessica Chastain, Marton Csokas, Helen Mirren, Tom Wilkinson, Ciarán Hinds, Jesper Christensen
  •  Género: Thriller. Drama / Espionaje Nazismo.
  • Puntuación: 6/10

Cada vez que aparece una película en la que hay un indicio de hablar del nacionalsocialismo (de los nazis, vamos) me entran ganas de verla. Supongo que para odiar algo tanto como me ocurre a mí con todo lo que tiene que ver con la Alemania Nazi, está basado en un profundo conocimiento del tema. Es por eso que tenía muchas ganas de verla, otra cosa es, lo que pudo transmitirme cuando terminé de ver la película.

El director  John Madden (director de “Shakespeare in Love”) se  encargo de realizar el remake de la película homónima israelí, “The Debt”, dirigido en 2007 por Assaf Bernsteinun; un  remake bastante fiel, consiguiendo dar una nueva visión en esta cinta de espionaje. La cinta consigue llevarnos de nuevo a los grandes thrillers de espías de antaño; se nota que ha heredado de las novelas de espías y del thriller político de los 70  el gran aroma al viejo cine de espías y las novelas de Le Carré.

En 1965, tres jóvenes agentes del Mossad: (el servicio secreto israelí): Rachel Singer (Jessica Chastain/Helen Mirren),  Stephan (Marton Csokas/Tom Wilkinson) y David (Sam Worthington/Ciarán Hinds) son enviados a Berlín Oriental para capturar y trasladar a un peligroso criminal nazi  Israel; a lo largo de la operación todo acaba complicándose y el prisionero acaba muerto. Treinta años después, dos de estos agentes ocupan importantes puestos en la administración y son reconocidos por todo su pueblo como héroes; pero cuando uno de ellos, que años antes había desaparecido, vuelve a Israel y acaba suicidándose, todo su mundo empieza a tambalearse, porque ¿que habría ocurrido si aquel criminal nazi no estuviese muerto?

Para narrarnos esta historia de espías, se usan diferentes espacios temporales: uno cuando los agentes son jóvenes y están en Berlín cumpliendo con su misión y otra en la actualidad, cuando han pasado treinta años desde aquella operación. Personalmente pienso que las versiones más jóvenes de los personajes llevan la carga más pesada de la película; la que nos recuerda a esas maravillosas películas de espionaje de hace unos años, la que nos traslada al Berlín dividido, a los planes y maquinaciones de los servicios secretos o las intrigas entre las diferentes embajadas y la que nos deja una perfecta escena llena de suspense del bueno con una estación del tren como magnifico escenario. Sin embargo, la versión actual y menos joven de los personajes, tiene menor carga emocional, han dejado de ser agentes del Mossad para convertirse en un burócrata, un viajero errante y en una madre. Sus problemas han dejado de ser de interés nacional, para convertirse en algo personal. Y si ese mundo, cimentado en aquella operación peligra, serán capaces de dejar su actual estatus y forma de vida, concretamente la encargada será Rachel (Helen Mirren), por salvaguardar todo por lo que han luchado a lo largo de su vida.

En el plano interpretativo, por encima de todos destacan las dos actrices que encarnan a Rachel: Jessica Chastain y Helen Mirren. Sólo puedo decir que están inmensas, no sólo por su papel protagonista sino porque sus actuaciones se ven enriquecidas mutuamente al complementarse el personaje antes y después; lo que no ocurre con la otra dupla de actores masculinos que queda desincronizados. Mención especial para Jesper Christensen el “Cirujano de Birkenau”, quien consigue de principio a fin, crear una sólida y creíble interpretación.

Lo que siempre ha caracterizado a las películas de espionaje es que las apariencias engañan, uno nunca sabe por donde puede acabar saliendo un enemigo, una situación tensa o la solución del enigma. En el caso de esta película, hasta un poco más allá de la mitad, la trama es apasionante, atrayente y no pierde interés; pero la última parte en la que Helen Mirren acapara la pantalla casi por completo, el argumento pierde fuerza, se vuelve previsible y la intriga creada desaparece. A ello colabora el cambio de última hora (último minuto seria más exacto) en cuanto al desenlace, el que aparece primero te deja completamente frio, pero el que viene después no deja de ser un vano intento, traído con alfileres de terminar la película de la manera esperada.

Así pues, queda una película correcta. En la que el espectador empezará a perder el interés por una trama que parece no tener fin, hasta que se quedará frio a su conclusión. Sólo puedo recomendar a nuestros lectores su visionado si les gusta mucho el genero, de lo contrario seguro que será una película que una vez vista será olvidada y no querrán volver a ver.

  • Título Original: The Angels´ Share.
  • Año: 2012
  • País:  Reino Unido
  • Duración: 106 minutos.
  • Director: Ken Loach
  • Reparto: Roger Allam, John Henshaw, William Ruane, Daniel Portman, Paul Donnelly, Lorne MacFadyen, John Joe Hay, Siobhan Reilly, Barrie Hunter, David Goodall, Jim Sweeney,
  • Género: Comedia. Drama.
  •  Puntuación: 8/10

Hay que sentarse con mucho cuidado cuando se ve una película de Loach, porque en todas, hay una enorme preocupación por lo temas cotidianos y los personajes más desfavorecidos y en este caso no iba a ser menos.

Todo empieza de la manera más inesperada, en una sala de juicios de alguna parte de Reino Unido (con haber visto el cartel de la película se sabe que es Escocia) en la que bajo una mortecina luz, los casos transcurren sin mayor relevancia, la mayor parte de los que están allí, comparecen para responder por delitos menores (hurto, escandalo público, agresión…), lo que en su mayoría les hace tener que prestar algunas cientos de horas en servicios comunitarios.

La trama se centra en seguida en Robbie, un joven de Glasgow, que tiene un largo historial de estos delitos, incluido un paso por la cárcel; al que de manera magnánima, el juez únicamente le pone de pena servicios comunitarios. Y es que Robbie va a ser padre y la positiva influencia de su novia y la inminente paternidad le hace querer cambiar su vida. Pero no todo va a ser fácil: su barrio marginal no es el mejor ambiente para criar a un niño; las marcas de su rostro le pone difícil encontrar trabajo y las personas que le rodean no son desde luego nada recomendables; la violencia que le consume, que le ha formado desde pequeño, amenaza con estallar en cualquier momento. Lo que Robbie no sabe es que aquellas horas de servicio comunitario van a ser su salvación. Durante ellas, conoce a  Rhino, Albert y Mo; unos chicos con historias parecidas, que al compartir sus vivencias van a forjar una amistad inquebrantable; esto es posible gracias a Harry, el responsable del servicio social. Este les hace ver la vida de otra manera, porque Harry, a diferencia de todas las personas con las que han tratado hasta ahora, si confía en ellos, en que pueden cambiar y llegar a ser lo que ellos quieran. Y lo hace de una manera completamente sorprendente; iniciándoles en el profundo conocimiento de la que es su gran pasión: el mundo del Whisky.

Una película que va directamente a nuestra conciencia, a ese resquicio que hay en nuestro interior que nos atormenta por no poder hacer nada para ayudar a esas personas que más lo necesitan. Creo que es un canto a la esperanza a la capacidad que podemos tener todos de mejorar, de aspirar a todo y que nuestro techo sean nuestros sueños. Hay grandes momentos a lo largo de la cinta, sobre todo cuando los cuatro protagonistas se unen, creando situaciones de los más variopintas e inesperadas. Si hablamos en cuanto a interpretaciones, no hay mucho que decir, solamente que un puñado de actores semidesconocidos actúan de manera brillante muy cercanos a la naturalidad de los personajes y sin alejarse de la realidad.

Nadie podrá negar que esta película tiene muchos elementos para gustarme: el entorno centrado en Escocia, es perfecto; el hilo argumental en torno al mundo del whisky es innovador y funciona a la perfección; consiguen que quieras a estos personajes y no pierdas el interés en los ciento seis minutos que dura. Estamos ante una historia rodada en un tono ligero y amable, en donde el sello de Ken Loach, deja la crítica social en el aire, para que reflexionemos sobre la actual situación socioeconómica y como esta afecta a los usos y costumbres de la juventud.

Así que tendréis que ver la película para descubrir a que nos referimos cuando en Escocia se habla de: “la parte de los Ángeles” (The Angels´ Share) y disfrutar de una buena película.

  • Año: 2012
  • País:  Estados Unidos
  • Duración: 120 minutos.
  • Director:  Ben Affleck
  • Reparto: Ben Affleck, John Goodman, Alan Arkin, Bryan Cranston, Taylor Schilling, Kyle Chandler, Victor Garber, Michael Cassidy, Clea DuVall, Rory Cochrane, Tate Donovan, Chris Messina, Adrienne Barbeau, Tom Lenk, Titus Welliver
  • Género: Thriller. Intriga. Drama
  • Puntuación: 8/10

Con esta película, me ha sucedido como tantas otras: vas a verla de forma inesperada, sin saber muy bien que vas a ver y acabas pensando que ha merecido la pena el esfuerzo que has hecho por estar delante de la pantalla.

En el inmenso juego geoestratégico en el que los Estados Unidos llevan desde el final de la segunda guerra mundial, protagonizando; uno de los escenarios más desconocidos o tal ve, de los recientemente más olvidados, quizá porque vuelve a estar en primera línea; sea la participación en Irán. No me corresponde a mi, narrar lo que pasó, porque esa pequeña introducción que se necesita para entender lo que sucede, ya lo hacen en la cinta en los diez primeros minutos (aunque como siempre, abogo por que se consulten más fuentes para entender el problema de Irán-Estados Unidos, más a fondo).

La película se inicia en 1979, cuando la embajada estadounidense de Teherán fue ocupada por un grupo de iraníes, el personal que trabajaba allí fue hecho prisionero para conseguir que Estados Unidos, llevase a Irán a su antiguo mandatario, el Sha de Persia; para que fuese juzgado por sus crímenes. Entre todo el revuelo, seis diplomáticos estadounidenses consiguieron escapar y ocultarse en la embajada de Canadá. Mientras, el gobierno intenta rescatar a los prisioneros;  la CIA y el gobierno canadiense idearon un plan para rescatar a los diplomáticos fugados. Para ello se recurre a un mago del disfraz y a  un agente de la CIA, los cuales preparan la operación de rescate tras el escenario del rodaje de una película, “Argo”, en la que participaba un equipo de rodaje canadiense que buscaba exteriores en Irán.

Ben Affleck ha conseguido sorprenderme una vez más. Porque en esta película no se ha dedicado solamente a dirigir sino que lo ha hecho muy bien. Lo más conseguido de todo es como se consiguió mezclar el cine con la política, porque no podemos olvidar que el cine es eso: una ficción y en este caso, esa ficción fue la que consiguió que en la vida real se pudiese rescatar a unas personas que de encontrarlas ya estaban sentenciadas a muerte. Así que en este caso aquello de que la realidad supera a la ficción y además le da una vuelta de tuerca no puede ser más acertado. Además se consigue mantener la tensión a lo largo de las dos horas que consigue mantenerte pegado a la butaca. Y es que me ha recordado a esas películas capaces de desquiciarte por la enorme carga de sutiles situaciones donde nada es lo que parece, y en cualquier momento va a aparecer algún detalle que puede dar al traste con todo lo ya construido.

En cuanto al reparto, quizá el más flojo de todos sea el propio Affleck, el que personalmente creo que hace un papel correcto sin más;  puede ser, que no sea un actor soberbio, pero ha sabido rodearse de buenos actores: con un John Goodman perfecto, Alan Arkin que narra como nadie la verdad de lo que ocurría en aquel turbulento Hollywood (“Si hay caballos es un Western”), y el camaleónico y soberbio Bryan Cranston.

Una historia creíble, acida, satírica y tensa. Donde la mayor de las reflexiones es que a pesar de las impresiones que podamos tener, nada es lo que parece, y que a lo mejor debemos mirar más a nuestro alrededor para saber lo que realmente ocurre.

“Y Roldán cogió su Fúsil (y su cuchillo)” IV: Malditos Bastardos

Publicado: 4 octubre 2012 de Juan Pablo Roldán en General

Malditos Bastardos.

  • Año: 2009
  • Título Original: Inglourious Basterds (Inglorious Bastards)
  • País: Estados Unidos.
  • Duración: 153 minutos.
  • Director: Quentin Tarantino.
  • Reparto:  Brad Pitt, Christoph Waltz, Mélanie Laurent, Diane Kruger, Michael Fassbender, Daniel Brühl, Eli Roth, Til Schweiger, , B. J. Novak, August Diehl, Mike Myers.
  • Género: Bélico. Acción. Aventuras. Comedia / Segunda Guerra Mundial.
  • Puntuación: 9 /10

“Erase una vez… en la Francia ocupada por los Nazis” Cuando aparece esta primera frase en la pantalla, ya no pude apartar la vista de la pantalla. No puedo, ni quiero engañar a nadie, así que diré que se trata de una película de uno de mis directores favoritos, y el planteamiento inicial me pareció brillante. Pero no vale, con una buena impresión inicial; no seria la primera vez que una película te acaba decepcionando, a pesar de las buenas sensaciones que te produce antes de verla. Este no ha sido el caso.

Nadie puede negar que Tarantino tiene muchos padres cinematográficos, y en todas sus películas vemos ese eclecticismo que tanto le caracteriza. Se ha hablado mucho a cerca de los planos, las escenas, los personajes…como si ninguno fuese ciertamente original, como si el director se encargase de hacer una especie de “refrito” de muchas películas. Personalmente creo que el inmenso talento y el estilo propio del cineasta, acaban con cualquier origen (incluso la posible referencia del titulo “Aquel maldito tren Blindado”); para hacer un film puramente “tarantiniano” cuyos orígenes quedan borrados a base de genialidad.

La historia empieza con la visita del temible y genial coronel de las SS, Hans Landa (Christoph Waltz), a una granja de la campiña francesa en busca de judíos ocultos. Opino que es una de las mejores escenas que ha grabado Tarantino: Comienza usando los códigos de western para pasar a un increíble duelo psicológico que mantiene el Coronel Landa con el granjero Lapadite, haciendo un guiño a esos duelos de deducción que podía mantener Sherlock Holmes en cualquiera de sus aventuras. Ese largo y en apariencia intranscendente dialogo, es pura tensión, gracias al buen hacer del director, que dilata los tiempos con maestría. Desde ese momento ya me tenia ganado.

El argumento se basa en un plan secreto de los Servicios de Operaciones Estratégicos; un pelotón se soldados norteamericanos de origen judíos, al mando del carismático Teniente Aldo Raine (Brad Pitt), se van a internar en la Francia ocupada por los nazis, para, usando técnicas de guerrilla, mermar la moral del ejército alemán. Todo se complica cuando se piensa en este pelotón de soldados conocidos como “Los Bastardos” para un plan en el que se cruzan los destinos de los Bastardos con los de Shoshanna (Mélanie Laurent) la única superviviente de la  matanza ordenada por el coronel Landa en la primera escena, cuyos deseos de venganza unidos al estreno de una película nazi, pueden hacer que en una noche el desarrollo de la guerra cambie para siempre.

A nivel interpretativo, no hay ninguno de los actores que no haga una colosal interpretación: Brad Pitt se mete en el papel de “jefe de grupo” de los Bastardos, dejando enormes escenas para la historia; en cuanto a actrices tuvimos la gran irrupción de la bellísima Mélanie Laurent y la presencia espectacular de Diane Kruger, que cada una en su papel, muestran las características de esas mujeres independientes y luchadoras de los años cuarenta, que tuvieron un papel fundamental en la época. Pero por encima de todos destaca Christoph Waltz y no lo digo porque fue galardonado con el Oscar al mejor actor secundario; sino porque creo que es un papel de gigante, a la altura de los actores más grandes del cine, porque consigue meterse tanto en el papel que ha conseguido que cuando le veas en otra película, se te venga a la mente ese personaje.

Tarantino cuenta la guerra como quiere, porque la usa como trasfondo para contar su propia historia. Por eso no entraré en una valoración del rigor histórico de la película; porque para eso tendría que dejar de ser ficción.

No me creo a aquellas personas que me recuerdan que esta pelicula es violenta y a veces grotesca. Estamos ante una pelicula bélica y de Tarantino y no hay ninguna guerra que no sea violenta y sangrienta; así el director usa su peculiar estilo para mostrar su visión de una de las peores guerras que ha vivido la humanidad.

Así que, recomiendo a todos nuestros lectores que se sienten a ver la pelicula. Si habéis leído con atención, no creo que no sepáis a lo que os enfrentáis: a una autentica obra maestra.