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  • Título Original: Django Unchained
  • Año: 2012
  • País: Estados Unidos
  • Duración: 165 minutos.
  • Director: Quentin Tarantino
  • Reparto:  Jamie Foxx, Leonardo DiCaprio, Christoph Waltz, Kerry Washington, Walton Goggins, Samuel L. Jackson, Don Johnson, Bruce Dern, Franco Nero, Jonah Hill, Tom Savini, M.C. Gainey, RZA, James Remar, Todd Allen, James Russo, Tom Wopat, Misty Upham, Gerald McRaney, Cooper Huckabee, Dennis Christopher, Laura Cayouette.
  •  Género: Western. Drama/ Racismo. Drama Sureño.
  • Puntuación: 8 /10

Durante muchos años, los mayores críticos de Tarantino, han dedicado sus esfuerzos a vetar la obra de un director en el que todas sus películas estaban influenciadas por el género del Western. Pues bien, creo que en parte por mostrar sus preferencias y en parte para contestar a todos, ha decidido hacer una película del Oeste para rendir su propio homenaje al genero; aunque como en honor a la verdad, tendría que catalogarse como “una película del Sur”, eso si, con el inconfundible estilo de Tarantino.

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La cinta nos sitúa dos años antes del inicio de la guerra civil americana (1861-1865). El doctor King Schultz (Christophe Waltz), un cazarrecompensas alemán, encuentra a un esclavo de color, Django (Jamie Foxx), el cual es clave para encontrar a unos fugitivos. Scultz le promete a Django que una vez capturados, le dará la manumisión. Tras un impecable trabajo, Django prefiere seguir con Schultz en su trabajo: encontrar y matar a los criminales más peligrosos del sur; Django se convierte en un experto en cazar recompensas, pero todo lo hace con el objetivo de recuperar a su esposa Broomhilda (Kerry Washington). Su búsqueda les llevará hasta uno de los hombres más ricos del sur, el peligroso Calvin Candie (Leonardo DiCaprio), cuya mayor distracción es ver luchas entre esclavos, además es el propietario de la plantación “Candyland”, donde muy posiblemente se encuentre la esposa de Django.

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Si le preguntases a cualquiera que haya podido ver a lo largo de su vida alguna película de este genero, por el actor que mejor define el Western, sin duda todos hablarían de: John Wayne, Clint Eastwood, Gary Cooper, Steve McQueen, Henry Fonda, James Stewart, Lee Van Cleef…y si tenemos que hablar de una gran pareja de actores que protagoniza “una del oeste” todos recordamos a Paul Newman y Robert Redford, en la plenitud de su carrera en “Dos hombres y un destino”. Tarantino ha cogido a todos ellos y le ha dado la vuelta poniendo de protagonistas a un dentista alemán metido a cazarrecompensas y a un esclavo de color que acaba siendo “la pistola más rápido del sur”. Demuestra así que se pueden tener tus propias influencias, pero no deja de darle una vuelta de tuerca a los rigidos patrones cinematográficos: renovarse o morir.

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En cuanto al elenco de actores; todos y cada uno de ellos cumple a la perfección con su papel: Jamie Foxx está simplemente soberbio, en él podemos observar con gran detalle todo el proceso evolutivo de la personalidad de su personaje, no hace un trabajo principal sólo por ser el protagonista, sino que hace méritos para serlo. Christoph Waltz vuelve a meterse en un papel complicado y lo resuelve con gran solvencia. Como ya he comentado, su mayor problema es arrastrar la fama y las formas del papel que le dio la fama, porque existen algunos sectores que dicen que este es un papel calcado al del Coronel Landa de “Malditos Bastardos” y excepto que ambos personajes son germánicos, no veo relación alguna, ni en el personaje, ni en la forma ni en la actuación. Leonardo DiCaprio, hace ya mucho tiempo que dejó de ser un actor que levantaba los gritos adolescentes cada vez que la cámara le enfoca, para convertirse en uno de los actores con más talento del cine norteamericano; en esta película ha podido divertirse sin medida y actuar con total libertad, haciendo un “malo exquisito”. Mención a parte debe tener Samuel L. Jackson, que a pesar de la caracterización exquisita a la que se vio sometida para hacer de Stephen, su mirada no nos engaña; su papel de fiel sirviente y verdadero amo de la plantación “Candyland”, debería de reconocerse más allá de los premios y buenas críticas.

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El desarrollo de Django Unchained empezó en 2007, cuando Quentin Tarantino, hablando con The Daily Telegraph discutió sobre una idea para hacer un spaghetti western ambientado en el sur profundo de Estados Unidos, que él llamó “Southern”, afirmando que quería: “hacer películas que trataran del horrible pasado de Estados Unidos con la esclavitud y esas cosas, pero como lo hacen los spaghetti westerns, no como películas sobre un gran problema. Quiero hacerlo como si fueran películas de género, pero se enfrentan con todo lo que Estados Unidos nunca se ha ocupado porque se avergüenza de ello, y otros países no tratan sobre ello porque no sienten que tengan derecho a hacerlo.”

Sin duda la película es especial porque será la primera película de Tarantino, que no edite Sally Menke, fallecida en el 2010. Django es el título, de un popular spaghetti western de 1966, dirigido por Sergio Corbucci. Aunque la película de Tarantino no es ni un remake, ni un spin-off de esta, de la que sólo toma el nombre del personaje principal y poco más.

No queda más que recomendar a mis lectores su visionado. Si, es una película de Tarantino (con todo lo que eso implica) y si, dura casi tres horas. Pero es sin duda, una de esas historias que engancha desde el principio, de la que no podrás apartar los ojos de la pantalla. Así que, compren la entrada, un buen cubo de palomitas y un refresco bien grande. Una vez pasados los títulos de crédito, prepárense para disfrutar de esta maravilla.

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Titulo: De óxido y hueso

Director: Jacques Audiard

Intérpretes:. Marion Cotillard, Matthias Schoenaerts, Céline Sallette, Bouli Lanners, Alex Martin, Corinne Masiero, Tibo Vandenborre

Nacionalidad: Francia

Año de Producción: 2012

Guión: Jacques Audiard, Thomas Bidegain (Novela: Craig Davidson)

Música: Alexandre Desplat

Duración: 120 minutos.  

Valoración: 8/10

Decía el historiador Thomas Carlyle que “El hombre ha nacido para luchar, y es como se le define mejor: Diciendo que es un guerrero nato y que su vida desde al principio al fin no es sino una batalla”

Ese es el carácter de este film: luchador, de caerse y levantarse. De perder y recuperar. De romper y recomponer los pedazos.

A veces está bien que el cine nos dé una dosis de realidad. Que nos cuenten que no todo es bonito, que se dejen de situaciones irreales con música de fondo, que el sufrimiento también se muestre en pantalla. A veces es bueno alejarse de esa idea utópica que tenemos de que, en pantalla y durante un par de horas, los buenos tienen que ser muy buenos, los malos tienen que ser muy malos y los guapos tienen que acabar juntos y comiendo perdices.

De óxido y hueso presenta eso como baluarte: Es dura, descarnada, realista a más no poder. Alí junto con su hijo Sam debe refugiarse en casa de su hermana, a la que no ve desde hace muchos años. En un momento dado conoce a Stephanie, una domadora de orcas, y sus historias se entrelazarán.

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Stephanie, interpretada de forma magistral por Marion Cotillard, pierde ambas piernas. La desesperación se apodera de ella, las fuerzas la abandonan. Sufre, y nosotros sufrimos con ella. De repente, Alí, un desconocido, será quien la empiece a dar fuerzas para luchar contra su desgracia y tratar de salir adelante.

Por otro lado tenemos al propio Alí, que, sin duda, ha pasado por bastantes penurias en la vida, y que es pura superficie. Como un animal, satisface sus instintos, pero parece totalmente incapaz de sentir. Incluso para con su propio hijo. Aquí tenemos una interpretación también difícil y también muy bien hecha de Matthias Schoenaerts.

Entre ambos personajes surge una historia. Primero, una amistad. Luego, algo más físico. Ambos personajes se apoyan el uno en el otro. No hay música de fondo, no hay efectos especiales, no hay mariposas en el estómago. Es la cotidianidad de ambos juntos lo que va creando la magia. Todo ello filmado de una forma sublime, con una gran variedad de recursos técnicos, y sin reparar en detalles. La cinta no ahorra en violencia, en sexo o en dureza. A quien no le guste, que no mire.

El dúo protagonista lleva la voz cantante y nos permite identificarnos con la historia. Sufriremos con la falta de tacto de Alí y nos costará levantarnos cada día junto a Stephanie. Toda escena entre ambos, aunque sea un diálogo de apenas tres frases, aporta algo. Mención especial merecen las escenas de alcoba, donde una Marion Cotillard sin piernas está más sensual que nunca.

Y finalmente, por supuesto, el gran fallo, que priva a esta película de que este humilde redactor la otorgue un sobresaliente. El final. Unos diez últimos minutos resueltos de forma fácil y tópica. Ya veis, un largometraje cuya fuerza radica en huir de lo hollywoodiense, al final se ampara en ello, suponemos que para no recibir los abucheos de un público al que, digo yo, alguna vez habría que hacerle ver un final distinto, a ver como reacciona.

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Titulo: Paprika, detective de los sueños

Director: Satoshi Kon

Intérpretes:. Animación

Nacionalidad: Japón

Año de Producción: 2006

Guión: Satoshi Kon, Seishi Minakami (Novela: Yasutaka Tsutsui)

Música: Susumu Hirasawa

Duración: 90 minutos.    

Valoración: 8/10

El hombre siempre se ha inquietado por sus sueños. Escritores, artistas, científicos, filósofos, todos tienen sus propias ideas sobre los sueños y su significado. Desde el clásico “Soñar es la actividad estética más antigua” de Borges hasta ese “El sueño es un arte poético involuntario” de Kant, todos apreciamos la belleza del onirismo, el poder de nuestra mente latente de saltarse toda racionalidad y crear mil mundos imaginarios cada noche. Como dijo el escritor irlandés George Bernard ShawVes cosas y dices,”¿Por qué?” Pero yo sueño cosas que nunca fueron y digo, “¿Por qué no?”.

Esa máxima, esa querencia de transmitir la aportación de los sueños, es llevado a la pantalla por Satoshi Kon, en una película tan falta de coherencia narrativa como sobrante de imaginación, capaz de llegar a los rincones más profundos del alma, pero cerrando la puerta a todo racionalismo. Como en un sueño, los límites entre realidad, sueño, ficción y posibilidad son difusos. Demasiado difusos para todo aquel que use la lógica para guiar su camino.

Por supuesto, hay un guión. Y una historia. Un psiquiatra desarrolla una máquina para  poder meterse en los sueños de los pacientes trastornados. Por desgracia, se lanza cuando todavía está en fase experimental. La máquina es robada y empieza a ser usada con malos fines para destruir las personalidades de los pacientes mientras duermen. Hay que encontrar al culpable, y para eso contaremos con Paprika, una de las doctoras integrantes de este proyecto que sabe moverse como pez en el agua en el mundo de los sueños.

A partir de aquí comienza una auténtica montaña rusa, en la que las historias soñadas y las reales se alternan, se cruzan, se condicionan una a la otra. De estas historias podemos extraer muchas metáforas. El cine, internet, la sociedad, el poder, la moral, e incluso el amor son temas que se tratan y se sueñan. Y que cada uno extraiga sus propias conclusiones.

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El hilo argumental va continuando su camino, contraponiendo la historia real (Representada por el centro psiquiátrico: Frío, estéril, donde la inteligencia y la lógica tienen su razón de ser) a la historia onírica (Desfiles de peluches, cambios bruscos de escenarios, referencias mitológicas) hasta que ambas historias se entrelazan y se adhieren la una a la otra.

Aquí, por supuesto, estaremos como en la Fórmula 1. Si parpadeamos un segundo probablemente nos lo habremos perdido. No vale preguntarse por que. No vale intentar explicarlo. No vale sacar el concepto de una filosofía. La película es un sueño llevado a la gran pantalla. Hay que visualizarlo y sentirlo. Sin más, pero tampoco sin menos.

Mientras lo hacemos, disfrutaremos de la gran animación de Satoshi Kon, con sus tintes surrealistas (Como esas grandes referencias a la materia dura y blanda de Dalí) y de unos escenarios cargados de personalidad y de fuerza. ¿Quién dijo que la animación era incapaz de transmitir? Probablemente en Japón conozcan su poder más que en ningún otro sitio. Dejemos a un lado nuestros prejuicios. Pongamos la mente en blanco. Aceptemos lo que venga. Y divirtámonos.

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Las películas de 2013

Publicado: 2 enero 2013 de Álvaro Casanova en General

Una vez acabado el año 2012, que nos ha otorgado grandes películas (muchas de las cuales todavía están por estrenar en nuestro país como Django desencadenado, Amor, Lincoln o The Master), toca echar un vistazo a lo que nos depara la cartelera para este próximo 2013.

 

Movie 43 (estreno previsto en España: 1 de febrero)

Típica película de episodios con un nexo central: dos hermanos que intentan encontrar por todos lados ‘Movie 43’, un filme prohibido en casi todo el mundo. No pasaría de mera curiosidad de no ser por su tremendo reparto: Hugh Jackman, Kate Winslet, Naomi Watts, Gerald Butler, Chloë Grace-Moretz, Emma Stone, Uma Thurman, Richard Gere…

 

Gangster Squad (8 de febrero)

No llevamos demasiadas películas de cine negro en este siglo, por lo que esta obra dirigida por Ruben Fleischer (Bienvenidos a Zombieland) parece ser una de las pocas esperanzas para revivir este género. Se sitúa en los años 40, donde un equipo de policías intentará atrapar a un ladrón judío interpretado por Mickey Rourke.

 

Jungla de Cristal 5 (15 de febrero)

Quinta entrega de una de las sagas de acción más famosas. Tras la criticada cuarta película, Bruce Willis vuelve a dar vida a John McClane, en esta ocasión bajo las frías calles de Moscú. Dirige John Moore (Max Payne).

 

Carrie (15 de marzo)

Remake de la popular película de Brian de Palma, sobre una adolescente que posee poderes psíquicos. Hay motivos para el optimismo: Chloë Grace Moretz será Carrie y Juliane Moore, su madre.

 

Oz, un mundo de fantasía (15 de marzo)

Precuela de la mítica El mago de Oz. A los mandos está el nunca inadvertido Sam Raimi.

 

The Host (22 de marzo)

Tras la denostada In Time, Andrew Niccol se embarca en una obra que a priori no ofrece demasiadas expectativas: está basada en una obra de Stephanie Meyer, autora de Crepúsculo. Sin embargo, hay que tener fe en alguien que ha dirigido películas como Gattaca o El señor de la guerra. La joven Saoirse Ronan será la protagonista.

 

Oblivion (12 de abril)

Ambiciosa película de ciencia ficción la que dirige Joseph Kosinski (TRON Legacy). Bajo una poderosa campaña viral y un no menos espectacular tráiler, Oblivion se presenta como uno de las películas que más expectativas generan de cara a este 2013. Tom Cruise, Morgan Freeman Olga Kurylenko y Nikolaj Coster-Waldau (AKA Jaime Lannister) forman parte del reparto.

 

Iron Man 3 (26 de abril)

Tras el éxito de las últimas producciones de Marvel, que tuvieron su colofón con Los vengadores, se avecina una nueva tanda de películas de superhéroes, que finalizarán con la secuela del mencionado crossover. Todo comenzará con esta tercera entrega de la saga del superhéroe al que da vida Robert Downey Jr. En esta ocasión, Jon Favreau pasa el testigo de la dirección a Shane Black (Kiss Kiss Bang Bang), que ha comparado la película con las novelas de Tom Clancy. Sale del reparto Scarlett Johansson para dar paso a un buen cuarteto de actores: Ben Kingsley, Don Cheadle, Guy Pearce y Rebecca Hall.

 

Stoker (10 de mayo)

Primer proyecto estadounidense del alabadísimo director surcoreano Park Chan-wook (Oldboy, Sympathy for Mr./Lady Vengeance). Mia Wasikowsa interpretará a una chica que, tras la muerte de su padre, volverá a contactar con su tío.

 

El gran Gatsby (17 de mayo)

El australiano Baz Luhrmann está a los mandos de esta nueva adaptación de la mítica obra de Francis Scott Fitzgerald. Leonardo di Caprio se mete en la piel de Gatsby, y estará escoltado por la siempre óptima Carey Mulligan y por Tobey Maguire. Criticada por Robert Redford (que protagonizó la versión de 1974), habrá que ver si la apuesta de Luhrmann hace justicia a la novela original o se convierte en un mero sucedáneo de Moulin Rouge.

 

Resacón 3 (31 de mayo)

Uno de los éxitos de taquilla de 2013 será, a buen seguro, la tercera parte de la saga dirigida por Todd Phillips. En esta ocasión no habrá boda… pero sí retorno a Las Vegas, la ciudad donde todo comenzó. Nada más se sabe por el momento.

 

After Earth (7 de junio)

El indio Shyamalan, que cuenta con una amplia legión de seguidores pero también con muchísimos detractores, tiene ante sí una nueva revalida para convencer a estos segundos. After Earth nos sitúa mil años después de que los habitantes de La Tierra se viesen obligados a dejar el planeta para acudir a Nova Prime. Sin embargo, durante una misión el legendario general Cypher Raige y su hijo de 13 años se estrellan contra el planeta tierra. Will Smith y su hijo Jaiden volverán a ser el dueto protagonista tras En busca de la felicidad.

 

Side Effects (14 de junio)

Posiblemente estemos ante una de las últimas películas de Steven Soderbergh, un director que en apenas 50 años de vida ha rodado casi treinta películas con resultados  muy dispares. Esta nueva obra se adentra en el mundo de la psicofarmacia de la mano de Jude Law y Catherine Zeta-Jones.

 

Man of Steel (21 de junio)

Posiblemente la película más esperada de 2013 sea este reinicio de Superman. Zack Snyder dirige esta complicada producción, asesorado eso sí por Christopher Nolan. Henry Cavill será el protagonista de esta obra que, por el momento, ha dado mucho de que hablar tras su espectacular tráiler.

 

Pacific Rim (12 de julio)

Guillermo del Toro (Hellboy, El laberinto del fauno) dirige esta película de ciencia-ficción que, de momento, parece recordar demasiado a la saga Transformers.

 

El llanero solitario (19 de julio)

Gore Verbinski (Piratas del Caribe, Rango) vuelve a aliarse con Johnny Deep con motivo de la adaptación de este popular western.

 

Lobezno inmortal (26 de julio)

Aunque a primera vista podría parecer que estamos ante una secuela de Orígenes: Lobezno, lo cierto es que la película dirigida por James Mangold (En la cuerda floja) se sitúa después de X-Men 3: la decisión final, y contará las peripecias del popular superhéroe tras los sucesos acaecidos en la tercera parte de la saga de Marvel. Evidentemente, Hugh Jackman será el protagonista.

 

Guerra Mundial Z (2 de agosto)

Adaptación cinematográfica de la popular novela de Max Brooks. Pese a que en principio parecía utópico llevarla a la gran pantalla (por el propio carácter del libro, compuesto a base de diversos testimonios), el director Marc Forster (Descubriendo nunca jamás, Quantum of Solace) se animó a intentar lo imposible, con Brad Pitt en el papel protagonista. De momento, el tráiler no ha decepcionado.

 

300: Rise of an Empire (9 de agosto)

Spin-off de la popular película de Zack Snyder. Parece que el propio Snyder es el encargado del guión, pero en esta ocasión la dirección pasa al casi novel Noam Murro. Tampoco estarán presentes los principales protagonistas de la obra de 2006, como Gerald Butler o Lena Headey.

 

Elysium (16 de agosto)

Tras el éxito de su opera prima, District 9, el sudafricano Neill Blomkamp se pone a los mandos de una nueva obra de ciencia-ficción con crítica social incluida. En esta ocasión, la película versará sobre una sociedad gobernada por Rhodes (Jodie Foster) en la que los ricos viven en la lujosa estación espacial Elysium mientras que los pobres, entre los que destaca la figura de Max (Matt Damon) sobreviven como pueden en una devastada Tierra.

 

Kick-Ass 2 (23 de agosto)

Secuela de la película dirigida en 2010 por Matthew Vaughn, que en esta ocasión cede el testigo a Jeff Wadlow (Rompiendo las reglas). Por el camino se ha quedado Nicolas Cage, que no repetirá su sorprendente papel. La cara nueva en el reparto será Jim Carrey.

 

Thor: el mundo oscuro (31 de octubre)

Siguiendo la estela de secuelas de cara a Los vengadores 2 (fechada en principio para 2015), el superhéroe del martillo volverá a dar la cara en compañía de casi todo el reparto de su predecesora. El cambio ha venido en la dirección: al criticado Kenneth Branagh le sustituye Alan Taylor, que ha trabajado en series como Los Soprano, Deadwood, Mad Men, Roma, Boardwalk Empire o Game of Thrones. Ahí es nada…

 

El juego de Ender (1 de noviembre)

La obra de culto literaria elaborada por Orson Scott Card tendrá por fin su versión en el séptimo arte. Gavin Hood (Tsotsi, X-Men Orígenes: Lobezno) dirigirá una película donde el papel de Ender recaerá en Asa Butterfield (La invención de Hugo). En el reparto figuran también Harrison Ford, Ben Kingsley o Viola Davis.

 

Oldboy (1 de noviembre)

Remake de la película surocoreana del mismo título, una de las producciones orientales más conocidas (y reconocidas) a nivel internacional. Josh Brolin y Samuel L. Jackson serán los protagonistas en una polémica obra dirigida por el no menos controvertido Spike Lee (La última noche, Plan oculto). Los fans llevan tiempo esperando con el cuchillo entre los dientes.

 

Los juegos del hambre: En llamas (22 de noviembre)

Secuela de la película dirigida por Gary Ross este pasado 2012. Evidentemente, adaptará la segunda novela de la popular saga literaria de Suzanne Collins. Veremos si la interpretación de Jennifer Lawrence, que tiene posibilidades de llegar al estreno de la película con su primer Oscar bajo el brazo (si Jessica Chastain lo permite, claro) es suficiente para mejorar los registros de su antecesora, que ya resultó un rotundo éxito de taquilla. Por cierto, debuta en la saga el gran Phillip Seymour Hoffman que, por qué no, también puede llegar con su segunda estatuilla en el bote.

 

El Hobbit: la desolación de Smaug (13 de diciembre)

En un año repleto de secuelas, no podía faltar la segunda entrega de El Hobbit, libro que no llega a las 400 páginas pero que al genio de Peter Jackson le permite sacar tres películas de casi tres horas de duración cada una. La primera parte ha triunfado en cuanto a resultados económicos y no ha defraudado en absoluto a los que ya vibraron con El Señor de los Anillos. Veremos si PJ sigue haciendo justicia al universo de Tolkien.

 

Además de las anteriormente mencionadas, hay otro buen puñado de películas a priori interesantes que tienen previsto su estreno para este 2013, aunque de momento sin fecha de estreno confirmada para nuestro país. Por desgracia, ya sabemos que muchas de ellas se retrasarán al año siguiente…

 

Before Midnight

Dir: Richard Linklater; Int: Julie Delpy, Ethan Hawke

 

Blood Ties

Dir: Guillaume Canet; Int: Marion Cotillard, Mila Kunis, Zoe Saldana

 

Caught in flight

Dir: Olivier Hirschbiegel; Int: Naomi Watts, Naveen Andrews, Charles Edwards

 

Dead Space

Dir: D.J. Caruso; Int: ¿?

 

Devil’s Knot

Dir: Atom Egoyan; Int: Reese Witherspoon, Colin Firth, Mireille Enos

 

Dust to dust

Dir: Scott Cooper; Int: Christian Bale, Casey Afflec, Zoe Saldana

 

Ha nacido una estrella

Dir: Clint Eastwood ; Int: ¿?

 

Her

Dir: Spike Jonze; Int: Joaquin Phoenix, Amy Adams, Rooney Mara

 

Inside Llewyn Davis

Dir: Joel Coen, Ethan Coen; Int: Oscar Isaac, Carey Mulligan, John Goodman

 

I Walk with the Dead

Dir: Nicolas Winding Refn; Int: Carey Mulligan

 

Kane & Lynch

Dir: F. Gary Gray; Int: Bruce Willis, Jamie Foxx

 

Knights of Cups

Dir: Terrence Malick; Int: Christian Bale, Cate Blanchett, Natalie Portman

 

Labor Day

Dir: Jason Reitman; Int: Kate Winslet, Josh Brolin

 

L’ecume des jours (Mood Indigo)

Dir: Michel Gondry; Int: Audrey Tautou, Romain Duris, Omar Sy

 

Machete Kills

Dir: Robert Rodríguez; Int: Danny Trejo, Mel Gibson, Jessica Alba

 

Malavita

Dir: Luc Besson; Int: Robert de Niro, Michelle Pfeiffer, Tommy Lee Jones

 

Nightingale

Dir: James Gray; Int: Joaquin Phoenix, Marion Cotillard, Jeremy Renner

 

Only God Forgives

Dir: Nicolas Winding Refn; Int: Ryan Gosling, Kristin Scott Thomas, Yayaying

 

Paradise Lost

Dir: Alex Proyas; Int: Benjamin Walker, Bradley Cooper, Dominic Purcell

 

Safe Haven

Dir: Lasse Hallström; Int: Julianne Hough, Josh Duhamel, Cobie Smulders

 

Sin City: a dame to kill for

Dir: Frank Miller, Robert Rodríguez; Int: Mickey Rourke, Rosario Dawson, Jamie Chung

 

Switch (precuela de Jackie Brown)

Dir: Daniel Schechter; Int: John Hawkes, Ty Burrell, Mos Def

 

The Comedian

Dir: Sean Penn; Int: Robert de Niro, Kristen Wiig

 

The Counselor

Dir: Ridley Scott; Int: Brad Pitt, Michael Fassbender, Cameron Díaz

 

The Disappearance of Eleanor Rigby: His / Hers (dos películas)

Dir: Ned Benson; Int: James McAvoy, Jessica Chastain, Ciarán Hinds

 

The Guernsey literary and Potato Peel Pie Society

Dir: Kenneth Branagh; Int: Kate Winslet

 

The Man who sold the World

Dir: Bill Condon; Int: Benedict Cumberbatch, Laura Linney, Daniel Brühl

 

The Monuments Men

Dir: George Clooney; Int: George Clooney, Cate Blanchett, Matt Damon

 

The Nymphomaniac

Dir: Lars von Trier; Int: Charlotte Gainsbourg, Shia LaBeouf, Stellan Skarsgard

 

The Tiger

Dir: Darren Aronofsky; Int: Brad Pitt

 

The Wolf of Wall Street

Dir: Martin Scorsese; Int: Leonardo di Caprio, Jonah Hill, Matthew McConaughey

 

The Zero Theorem

Dir: Terry Gilliam; Int: Christoph Waltz, Mélanie Thierry, Tilda Swinton

 

Trance

Dir: Danny Boyle; Int: James McAvoy, Vincent Cassell, Rosario Dawson

 

Under the Skin

Dir: Jonathan Glazer; Int: Scarlett Johansson, Paul Branningan, Robert J. Goodwin

 

Winter’s Tale

Dir: Akiva Goldsman; Int: Russell Crowe, Will Smith, Colin Farrell

 

Zombieland 2

Dir: Ruben Fleischer; Int: Woody Harrelson, Jesse Eisenberg, Emma Stone

 

 

* La información sobre directores y reparto, además de buena parte de las imágenes, han sido extraídas de la página web Filmaffinity.

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  • Título: El Hobbit: Un viaje inesperado
  • Director: Peter Jackson
  • Intérpretes: Martin Freeman, Ian McKellen, Richard Armitage, James Nesbitt, Aidan Turner, Graham McTavish, Jed Brophy, Stephen Hunter, Hugo Weaving, Cate Blanchett, Andy Serkis, Christopher Lee, Elijah Wood, Ian Holm.
  • País: Estados Unidos
  • Año: 2012
  • Género: Aventuras
  • Duración: 166 min
  • Guión: Fran Walsh, Philippa Boyens, Peter Jackson, Guillermo del Toro (Novela: J.R.R. Tolkien)
  • Música: Howard Shore
  • Calificación: 08/10

Tras la exitosa trilogía cinematográfica de El Señor de los Anillos, Peter Jackson regresa con la adaptación de El Hobbit, de J.R.R. Tolkien. A modo de precuela, El Hobbit: Un viaje inesperado nos introduce en la piel de Bilbo Bolsón, quien se embarcará en viaje junto al mago Gandalf y un grupo de enanos en busca de la tierra de Erebor, conocido como la Montaña Solitaria, lugar que guarda un tesoro protegido por el implacable dragón Smaug.

Cuando en 2001 se iba a estrenar El Señor de los Anillos: la comunidad del anillo, pocos creían que el director Peter Jackson fuese a realizar un buen trabajo en la adaptación de tan mítico libro de J.R.R. Tolkien. Había mucho que contar, demasiados personajes que presentar en apenas tres horas, decían los escépticos. Sin embargo, el neozelandés logró elaborar una más que notable película, encumbrada por su ambientación y su banda sonora. Sus dos secuelas no hicieron sino mejorar la calidad cinematográfica de la primera parte; no en vano, El Retorno del Rey se llevó once Premios Oscar, entre ellos el de mejor película y mejor director.

Tras el rotundo éxito de la trilogía, Jackson volvió a emprender una idea que permanecía en su cabeza desde la década de los 90: la adaptación de El Hobbit, también escrita por Tolkien, y que de hecho permitió al británico escribir posteriormente El Señor de los Anillos. Sin embargo, se presentaban dos problemas. Por un lado, el carácter más infantil de El Hobbit respecto de la trilogía que le sucedió (hay que recordar que en un principio Tolkien escribió la novela para sus hijos y no con un carácter comercial). Por otro lado, su escaso volumen: poco más de trescientas páginas. Una cifra escasa, que lo es más aún si tenemos en cuenta que Jackson planeó desde el principio dividir El Hobbit en tres películas. Con este dato, los más pesimistas vaticinaron que la adaptación al cine poseería cantidades industriales de ‘relleno’ para compensar la escasa duración que en un principio podría tener.

Sin embargo, desde los primeros minutos podremos comprobar que las críticas negativas hacia la obra de Jackson no girarán en torno a este punto. Al comienzo, la película nos traslada al agujero-hobbit de Bilbo Bolsón (interpretado de nuevo por Ian Holm en su versión anciana), quien escribe una carta a su sobrino Frodo narrándole una fabulosa historia en la que se embarcó sesenta años antes. Una historia que comienza en una tranquila mañana de la Comarca, con la llegada del mago Gandalf a la casa de Bilbo (ahora caracterizado por Martin Freeman). Esa misma noche, el hobbit recibe la visita de trece enanos, que le proponen embarcarse en un viaje arriesgado pero con un valiente propósito: recuperar en Erebor el tesoro y el reino que el dragón Smaug arrebató a los enanos hacía ya muchos años. A pesar de las dudas iniciales de Bilbo, el hobbit decide aceptar la difícil empresa y se une a los enanos y a Gandalf en un viaje que les deparará muchas dificultades en forma de orcos, trasgos, trolls… Y también algún viejo conocido de El Señor de los Anillos.

Rodada con la novedosa tecnología 3D a 48 fotogramas por segundo (el doble que hasta ahora), El Hobbit: un viaje inesperado no disminuye un ápice la calidad audiovisual de sus predecesoras. La fotografía y el diseño artístico permanecen enmarcados en una belleza casi sin parangón, a pesar de que se pierde buena parte de la epicidad que otorgaban los escenarios de El Señor de los Anillos. Lo que sí ha facilitado la tecnología es el diseño de los personajes no humanos, particularmente los trasgos y los trolls, cuyos rasgos faciales se ven claramente más definidos. La banda sonora, si bien se le puede achacar que en ciertos momentos recuerda excesivamente a la de la consabida trilogía, mantiene muy bien el tipo y facilita la inmersión en la película. Aquí también hay que destacar los efectos sonoros, que en el transcurso de cada batalla logran un impacto sensorial que hace temblar los oídos del espectador. Tampoco hay que achacar nada a la caracterización de Martin Freeman como Bilbo. El británico cumple con lo que se esperaba de él, dando vida a un personaje cuya interpretación en principio no gozaba de demasiada dificultad por el propio carácter templado que Tolkien imprimió al hobbit en su obra.

Por tanto, El Hobbit: Un viaje inesperado es una película totalmente recomendable a aquellos que quedaron fascinados con la trilogía de El Señor de los Anillos de Peter Jackson. Pese a que en esta ocasión se pierda el factor sorpresa y parte de la gran carga épica de las anteriores películas, la nueva adaptación de Jackson merece una oportunidad. No olvidemos que esta película, al igual que las anteriores, es sólo la primera parte de una obra coral que quedará completa con las dos inminentes secuelas: El Hobbit: La desolación de Smaug se estrenará en 2013 y El Hobbit: Partida y regreso, con la que concluirá la nueva trilogía en 2014.

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  • Título Original: City of Life and Death (Nanjing! Nanjing!)
  • Año: 2009
  • País: China
  • Duración: 132 minutos.
  • Director: Lu Chuan
  • Reparto:  Liu Ye, Gao Yuanyuan, Hideo Nakaizumi, Fan Wei, Ryu Kohata, Qin Lan, Jiang Yiyan, Zhao Yisui, Yao Di, John Paisley, Yuko Miyamoto, Liu Bin, Beverly Peckous, Aisling Dunne, Sam Voutas, Zhao Yisui
  • Género: Bélico. Drama / Guerra Chino-Japonesa (II). Histórico. Años 30
  • Puntuación: 9 /10

Si hay una tarea pendiente para los historiadores es que no solemos investigar más allá de nuestro propio entorno. Con esto no quiero decir que nos dediquemos a estudiar solamente la Historia de nuestros países, pero cuando hablamos de cualquier época de la historia a la que catalogamos de “Universal” nos centramos en Europa, el entorno cercano al continente y a América del Norte. Pero nos olvidamos de Asia y África. Y eso es una cuenta pendiente que tenemos que subsanar.

Ciudad de Vida y Muerte, nos lleva a 1937, en el estallido de la Segunda Guerra Chino-Japonesa. En el transcurso del conflicto, el Ejército Japonés acaba de capturar la capital de la República China, que por entonces era Nankín. Una vez tomada la ciudad tuvo lugar el suceso conocido como “la  masacre de Nankín”, un periodo de varias semanas donde se aniquiló masivamente a un gran número de prisioneros de guerra chinos y civiles, la mayoría de estudiosos coinciden en que la cifra está en torno a 300.000 personas; además de cometer cientos de atrocidades sobre la población de Nankin (mayoritariamente mujeres y niños)

La película cuenta la historia de varios personajes, reales y ficticios, como un soldado chino, un profesor de escuela, un soldado japonés, un misionero extranjero y John Rabe un hombre de negocios nazi que acabó finalmente salvando la vida de miles de civiles chinos lo que le hizo merecedor de ser conocido como el “Schindler de China”. Estos personajes irán desarrollando sus diferentes tramas para acabar colisionando en cierto momento, creando un torrente de sensaciones difícilmente explicables.

La película nos llega en blanco y negro por “Respeto a las victimas”, según palabras del propio Lu Chuan. Donde se desarrollan todas las tropelías posibles, en una ciudad ocupada por un ejército invasor. Muchas voces, hablan de un posible fin propagandístico de China contra el eterno enemigo que es Japón; no me parece el caso. Porque un país que decide expandir sus dominios por medio de las armas, está sometiendo al agredido a una guerra y eso no lo podemos negar.

Así que en este caso, Japón es el infractor y por tanto el culpable de lo que se narra en esta película. Esto no quiere decir que los Japoneses son muy malos y los Chinos muy buenos y sufridores. Eso seria simplificar hasta el extremo la historia y todos sabemos que los sucesos son más complejos de lo que parece a simple vista. El suceso que conocemos como “la  masacre de Nankín”, donde las violaciones, torturas, abusos y asesinatos a sangre fría están a la orden del día;  fue un hecho atroz y condenable; una mancha en la historia de la humanidad, pero por desgracia fue una mancha entre otras muchas; lo que no la hace menos grave o importante, por tanto era necesario contarla y si es a través de un medio universal como el cine, me parece acertado.

A lo largo de la cinta encontramos una atmosfera opresiva, en ningún momento estamos tranquilos viendo como se desarrollan los acontecimientos, porque estos aparecen de manera abrupta e inesperada. Desde las iniciales escenas del más puro cine bélico a un desarrollo del día a día de la ciudad ocupada.

La película ha tenido el mismo número de críticas buenas como malas. Es cierto que es de agradecer el enorme esfuerzo que hace Lu Chuan, por hacer una película en la que se intenta mostrar los dos bandos del conflicto y más, en un país tan represivo como China con la cultura. Y es que mostrar al “antiguo enemigo” como un ser humano, capaz de sentir y ser magnánimo, no es algo que las autoridades chinas viesen con buenos ojos. A pesar de su éxito, no pudo evitar las controversias tras su estreno en su país de origen. En particular, se criticó bastante el retrato del soldado japonés Kadokawa como personaje simpático, lo que llevó a algunas personas a amenazar de muerte en internet al director y a su familia.

No hay un actor malo, no hay una mala interpretación; todos son personajes creíbles y muy bien trabajados. Un trabajo absolutamente impecable en lo que a la interpretación se refiere.

El título no puede estar mejor elegido, porque en una síntesis perfecta de lo que quiere expresar la película. En ella vemos mucha violencia y mucha muerte pero también vemos como valores como el amor, la solidaridad y el sacrificio configuran el incesante espíritu de la vida que se resiste por desaparecer. Y es que ante la inevitabilidad de la muerte sólo podemos elegir como enfrentarnos a ella. Yo soy partidario de aquello que le dice Máximo a Cómodo, usando las palabras de Marco Aurelio, en Gladiator: “La muerte nos sonríe a todos, devolvámosle la sonrisa.”

  • Titulo Original: The Way Back
  • Año: 2010
  • País:  Estados Unidos
  • Duración: 130 minutos.
  • Director:  Peter Weir
  • Reparto: Jim Sturgess, Ed Harris, Colin Farrell, Saoirse Ronan, Dragos Bucur, Gustaf Skarsgård, Alexandru Potocean, Mark Strong, Sebastian Urzendowsky
  • Género: Aventuras. Drama / Años 40. Supervivencia
  • Puntuación: 7/10

Equivocarse a la hora de seleccionar la película que vas a ver en un momento determinado, más concretamente en ese momento especial de tu semana que dedicas a ver cine, puede arruinar tu plan y dejarte un sabor amargo. No ha sido el caso. Si hubiese hecho caso a la carátula de la película, a lo mejor, hubiese dejado su visionado para otro momento; pero su elección no podía haber sido más acertada.

Camino a la Libertad es la adaptación de “The Long k: The True Story of a Trek to Freedom” de Slavomir Rawicz. El protagonista narra su experiencia al principio de la Segunda Guerra Mundial; cómo tras la invasión de Polonia porV los alemanes (1939), fue arrestado por el ejército rojo. A pesar de su condición de militar de la Unión Soviética,  es encarcelado en un campo de trabajo en Siberia. Allí un grupo de presos  le enseñaran las dificultades que tendrá para sobrevivir si sigue teniendo como única idea en su cabeza la de volver a su casa en Polonia para poder ver a su mujer.

Su huida del gulag se convierte en una carrera contrarreloj por la supervivencia. Huyendo a pie llegaron desde Siberia al Himalaya, al desierto del Gobi y, atravesando el Tíbet, acabaron llegando a la India.

A lo largo de la cinta vamos conociendo ampliamente a los Janusz (Jim Sturgess), Mr. Smith (Ed Harris), un ingeniero estadounidense; a un actor llamado Khabarov (Mark Strong), a Valka (Colin Farrell), un endurecido criminal ruso; a Tomasz, un artista y el cocinero del grupo; a Kazik, un polaco que sufre de ceguera nocturna; a Voss (Gustaf Skarsgård) un sacerdote de Letonia; y a Zoran (Dragos Bucur), un contable de Yugoslavia. A ellos acaba uniéndoseles una joven que encuentran al llegar al lago Baikal, Irena (Saoirse Ronan). La llegada de Irena supone una humanización importante de los endurecidos fugitivos, pues gracias a ella y a su curiosidad el frio muro que habían levantado en el gulag para evitar la muerte se va disipando; lo que nos permite conocer de verdad a ese grupo de personas que están compartiendo ese camino hacia la libertad.

Si tuviera que definirla en una palabra, lo primero que se me ocurre es decir que es una película dura, pero esta dureza no llega a ser excesiva de manera que se puede ver sin sufrir un ataque de angustia, se nota la mano de Peter Weir, tratando situaciones complicadas con  una maestría al alcance de muy pocos directores. Aunque es cierto, que dadas las inclemencias del clima en varios de los lugares más extremos del mundo (de Siberia, el desierto de Gobi o el Himalaya), los fugados sufren, en sus cuerpos y en sus almas un tormento sobrehumano. Y enseñarlo es necesario, aunque en demasiadas ocasiones incidir en tantos detalles puede cansar al espectador. Lo más espectacular lo encontramos en el sentido panorámico de los paisajes de esa desconocida parte del mundo.

A nivel interpretativo me quedaría con la magnifica actuación de Colin Farrell, como Valka un despiadado mafioso ruso al que la interpretación de Farrell hace que el espectador acabé cogiéndole cariño. Y por supuesto Ed Harris, que consigue mostrarnos el desarrollo de su propio personaje, Mr. Smith, en el que el camino que hacen es parte de su propia redención. La irrupción de la joven Saoirse Ronan, como Irena, la única referencia femenina de la película, consigue sacar lo mejor de cada uno.

La veracidad de lo que Slavomir Rawicz nos cuenta en su libro (“The Long k: The True Story of a Trek to Freedom”) ha sido recientemente puesta en duda por varios historiadores, pues las condiciones de los gulags de Siberia estaban pensadas para acabar con la forma física y mental de los prisioneros y a muchos extraña que un grupo tan numeroso y variopinto pudiera ponerse de acuerdo para fugarse y sobrevivir en varios de los lugares más inhóspitos de la Tierra.

Personalmente la película me ha gustado, tal vez porque he entendido el mensaje de libertad que encierra el guion o tal vez se debe a que el camino que recorren en la película es el propio camino que realizamos todos a lo largo de nuestra vida, un camino que tiene como último fin conquistar la libertad.